The Red Shoes

In a century where we have already seen Black Swan (2010) by Darren Aronofsky and Whiplash (2014) by Damien Chazelle, where both study the repercussions and realities of the perfectionist artist, it’s worth remembering the original and most saddening film that has (maybe) existed in the history of all films.

The Red Shoes (1948) by Emeric Pressburger and Michael Powell is a drama, which portrays the life of an ambitious dancer called Vicky Page. While she’s starting her career, her mind is still torn between her passion for dance and her passion for love. Pressured by her dominant instructor, Boris, to focus on ballet, the dancer can't avoid falling in love with the beginner and charming composer, Julian. And here lies the dilemma that drives the 133 minutes of the film - love or career?

In spite of having, on the surface, a pretty standardized premise, already very common, the attention paid to character construction is huge. In the first minutes, we are given context regarding the situation inside the theatre and how the dancers were seen by the public. From then on, we realise that fame and stardom come with such positions - which helps us understand Vicky’s almost crazy motivation. Moments later, we meet the character Julian, who also wishes to ascend to stardom, but shows a relaxed posture when he accepts the few opportunities that Boris gives him at the beginning.

Vicky’s complexity is somewhat increasing and climaxes during her performance on the play “Red Shoes”, when she puts her hands on her head, the light reflects her continuous sweat dropping from her face, she just looks millimetres away from the camera and gives us the most desperate and tormented facial expression of all cinema.

It's a film with almost a haunted tone. It uses many of its colours intentionally - while Vicky almost always wears baby blue and big bows that represent her innocent nature, her instructor, Boris, is always seen wearing dark suits, symbolising his calculative and egoistic personality. The lighting reinforces this characterization, but it is also the creator of the sense of haunting in scenes where the light is colder.

In this British film, the 15-minutes-long ballet scene is as beautiful as it is scary. Making use of anything that can be called art - painting and architecture of the set, costumes, makeup, music, performances, visuals and colours, lighting, and especially dance - this recorded stage play was transformed into moving poetry. The two-faced narrative, that seamlessly shifts between Vicky’s real life and the play, deepens the sense of splendour and complexity, while we are completely immersed in one of the greatest sequences in the history of cinema.

Num século onde já vimos Black Swan (2010) de Darren Aronofsky e Whiplash (2014) de Damien Chazelle, onde ambos estudam as repercussões e realidades do artista perfeccionista, vale a pena relembrar o original e mais desolador filme que (talvez) tenha existido na história de todos os filmes.

The Red Shoes (1948) de Emeric Pressburger e Michael Powell é um drama, que retrata a vida de uma ambiciosa bailarina chamada Vicky Page. Enquanto a sua carreira é lançada, a sua cabeça permanece dividida entre a sua paixão por dançar e a sua paixão por amar. Pressionada pelo seu dominante instrutor, Boris, para se focar no ballet, a bailarina não consegue escapar a se apaixonar pelo novato e encantador compositor, Julian. E aqui fica o dilema que traça os 133 minutos de filme - amor ou carreira?

Apesar de ter, à superfície, uma premissa bastante estandardizada, e já muito comum, a atenção que é dada à construção das personagens é gigante. Nos primeiros minutos, somos contextualizados quanto à situação dentro do teatro e de como as bailarinas eram vistas pelo público. Desde aqui que entendemos que há renome e estrelato numa posição destas - o que ajuda a perceber a motivação quase louca de Vicky. Momentos depois, conhecemos a personagem de Julian, que deseja também ascendência mas, que mostra uma postura descontraída ao aceitar as poucas oportunidades que Boris lhe dá ao início.

A complexidade de Vicky é algo crescente e que toma o seu clímax quando esta, durante a sua atuação na peça “Red Shoes”, mete as mãos na cabeça, a iluminação reflete o suor incessante a cair da sua cara, olha uns meros milímetros ao lado da câmara e dá-nos o rosto mais desesperado e atormentado de todo o cinema.

É um filme com um tom quase assombrado. Utiliza muitas das suas cores para significâncias - enquanto Vicky utiliza, quase sempre, azuis claros e laços grandes que representam a sua natureza inocente, o seu instrutor, Boris é visto sempre com fatos escuros, simbólicos do seu calculismo e egoísmo. A sua iluminação é apoiante neste assunto mas também é a construtora dos sentimentos de assombração em cenários onde a luz era mais fria.

Neste filme britânico, os 15 minutos da longa cena de ballet foram tão bonitos como foram assustadores. Aproveitando tudo o que se pode designar de arte - a pintura e arquitetura do set, o vestuário, a maquilhagem, a música, a representação, a imagem e cores, a iluminação, e, especialmente, a dança - transformaram esta peça de teatro gravada em poesia em movimento. A narrativa duo-facetada que continua a mudar entre a vida real de Vicky e a peça, aprofunda o sentimento de esplendor e complexidade, enquanto somos totalmente imersos numa das melhores sequências da história do Cinema.